Los ilustradores realizan dibujos, imágenes, pinturas o diagramas para comunicar ideas o información visualmente, o para hacer un producto o una información más comprensible o que parezca más atractiva.

• - Libros y portadas de libros
• - Material de referencia
• - Publicidad y anuncios
• - Sitios web e informes
• - Manuales de instrucciones o material de formación o educativo.

Los ilustradores suelen estar especializados en un área en concreto. Por ejemplo, los ilustradores médicos realizan imágenes de afecciones médicas, los ilustradores técnicos realizan detallados dibujos de manuales de instrucciones y los ilustradores comerciales dibujan imágenes que contribuyan a que un producto sea más atractivo.

Todos los ilustradores inician su trabajo con un breve informe, que presentan al cliente, en el que habitualmente se recoge:

• - La información que necesita recibir el usuario de la ilustración.
• - El estilo, tema y modo de ilustración que necesita el tipo de producto en cuestión.
• - A quién va dirigida; por ejemplo, a estudiantes, técnicos, comparadores
• - Los plazos de entrega y el presupuesto.

La ilustración en el mundo del arte es la “estampa, grabado o dibujo que adorna o documenta un libro”. Esa es la definición de la RAE, pero una más completa podría ser esta:

La ilustración es un dibujo, pintura u obra impresa de arte que explica, aclara, ilumina, visualmente representa, o simplemente decora un texto escrito, que puede ser de carácter literario o comercial.

Los orígenes de la ilustración – antes de la invención de la «escritura» – se remontan a la pintura rupestre en Chauvet, Lascaux y Altamira, cuando los artistas paleolíticos utilizaban carbón y ocre en sus cuevas para ilustrar lo que veían a su alrededor. Históricamente, la ilustración de libros, revistas y periódicos han sido las formas predominantes de este tipo de arte visual, aunque los ilustradores también han utilizado sus habilidades gráficas en las áreas de creación de carteles, anuncios, libros de historietas, animación, tarjetas de felicitación, tiras etc.

Tipos de ilustraciones

Existen muchos tipos de ilustraciones, pero para empezar podemos describir dos grandes clases:

Ilustraciones conceptuales: son representaciones metafóricas (no realistas) de escenas, objetos, ideas o teorías. Las imágenes pueden contener elementos de la realidad, pero en su conjunto tienen una forma o significado diferente.Ejemplos de ilustración conceptual incluirían historietas, gráficos, dibujos abstractos…

Ilustraciones literales: estas ilustraciones tienden a representar verdades pictóricas. Aquí hay generalmente una descripción exacta de la realidad, e incluso si la imagen representa la ficción narrativa de carácter fantástico o dramática, se hace hincapié en la creación de una escena que sea creíble. Ejemplos de ilustración literal incluirían los siguientes: foto realismo, hiperrealismo…

En cuanto cómo se realizan las ilustraciones, volvemos a encontrar dos grandes tipos:

Ilustración tradicional: es el tipo “clásico” de ilustración, en el que se dibuja y pinta a mano.

Ilustración digital: la ilustración digital, en cambio, usa las nuevas tecnologías (a través de diferentes tipos de software) para la producción de imágenes.

Por último, los campos en los que se emplea la ilustración son muchos y muy variados. Por poner algunos ejemplos tendríamos:

• - Ilustración infantil
• - Ilustración editorial
• - Ilustración fantástica
• - Ilustración para cine
• - Ilustración para Videojuegos
• - Comic
• - Humor gráfico
• - Ilustración de portada
• - Ilustración para Concep Art
• - Ilustración publicitaria
• - Ilustración técnica
• - Ilustración de moda

 Hay muchos tipos de trabajos ilustrativos, así que vamos a profundizar en el tema de la ilustración editorial. Al final de este artículo, encontrarás una parte especial: ¡consejos profesionales de los mejores ilustradores profesionales! Hemos añadido algunos ejemplos de ilustraciones editoriales reales a este tutorial para que puedas ver cuán diferentes son los estilos de imagen.

1. ¿Qué es la ilustración editorial?

La ilustración editorial es una ilustración creada para expresar mejor una idea a partir del texto, normalmente utilizada en un libro, revista, periódico o recursos web.

Hay muchos tipos de ilustraciones, y la editorial es solo uno de ellos. Aunque todas las ilustraciones están hechas para describir una idea particular, las ilustraciones editoriales siempre acompañan al texto. El objetivo principal de este tipo de ilustración no es solo vender algo y llamar la atención (como en el caso de las ilustraciones de envases o de publicidad), sino añadir imágenes al texto y expresar mejor la idea y el estado de ánimo general.

Tipos de ilustraciones editoriales

Los tipos de ilustraciones editoriales dependen del texto para el que se dibujan. Se puede utilizar absolutamente cualquier estilo y material. Es importante elegir algo adecuado para la audiencia y el significado de la historia que se está dibujando.

Hay muchas variantes:

• Recursos web (como blogs, revistas web o portales de noticias). Las ilustraciones para las publicaciones de Instagram también serían editoriales
• Libros para adultos: libros de ficción y no ficción
• Libros para niños: enciclopedias, atlas, Wimmelbuch (libro con muchas ilustraciones detalladas que se utiliza como juego para niños), libros interactivos para tabletas
• Periódicos y revistas impresas

Como puedes ver, la ilustración editorial puede ser usada donde el texto es importante como su compañero esencial.

Acerca de la ilustración de libros

Lo importante que hay que saber sobre la ilustración de libros es que, por lo general, cuando se ilustra un libro, la obra implica ilustraciones no solo para el texto principal sino también para muchas otras partes. A continuación se presentan algunas de las diferentes partes del libro que podrían ser ilustradas (puede haber otras, pero estas son las más importantes):

• La portada
• La cubierta trasera/ Contraportada
• La Columna/ El Lomo
• La página de guarda

2. Tutorial de ilustración editorial

Paso 1. Definir qué ilustrar

Hemos hablado con nuestro cliente, entendido a nuestro público objetivo, y descubierto a nuestro lector. ¿Qué es lo siguiente? Por supuesto, ¡lee el texto que vas a ilustrar!

Esta es la parte más importante. Lee el texto, encuentre las palabras clave, y resalta las ideas principales. El trabajo del ilustrador editorial es crear una imagen atractiva que apoye y explique el texto que lo acompaña.

A veces, es una buena idea pensar en las palabras clave del texto principal como algo abstracto y combinar diferentes temas en una imagen. Escribir las palabras clave, buscar en línea para aprender más sobre el tema y utilizar diferentes técnicas creativas. Cambiar el enfoque siempre ayuda a la hora de proponer ideas.

Paso 2. Comprender la estructura

Cuando se trabaja en publicaciones de varias páginas, es una buena práctica pensar en la estructura general desde el principio, dibujando un guion gráfico.

Un guion gráfico es un plan con esquemas de páginas para entender la secuencia de los dibujos. Es importante cuando se trabaja con libros o artículos de varias páginas, y ayuda a lograr la integridad y unidad de la narración. Es una especie de mapa de ruta, que puede ahorrarle mucho tiempo en el futuro.

Paso 3. Prepara tus bocetos

¡Después de entender la idea clave y la estructura de tu texto, es hora de los bocetos! Tus bocetos no deben ser imágenes perfectas, su propósito es mostrar al cliente la dirección de sus pensamientos.

Siempre muestra los bocetos a tu cliente para ahorrar tiempo. Será desagradable si lo dibujas todo de forma bonita, pero no le conviene al cliente porque simplemente no entendiste la idea principal del texto.

Antes de presentar el boceto al cliente, tómate tu tiempo y revisa tu trabajo. A veces puedes encontrar ideas aún mejores o errores tontos en esta etapa. El objetivo principal es crear una imagen que sea fuerte tanto visual como conceptualmente.

Paso 4. Dibuja la ilustración final

La parte más agradable es trabajar en la imagen misma. Usar el estilo apropiado para mejorar la impresión de combinar las imágenes con el texto.

 ¿Quieres crear personajes 2D o 3D para videojuegos? La ilustración para videojuegos no es tarea sencilla, pues reúne ciertas pautas que debes tener en cuenta para lograr resultados extraordinarios. 

Por ejemplo, al crear una ilustración para videojuegos, no solo debes prestar atención a los aspectos visuales para cautivar al usuario, también es importante que logres que estos tengan conexión con la historia del juego. 

En otras palabras, la ropa, las expresiones, la voz y otras características de los personajes que observamos en los videojuegos deben tener un trasfondo. De esta manera, los jugadores percibirán que cada elemento tiene una razón de ser. 

Por eso, durante este artículo, te enseñaremos algunos consejos sobre la ilustración para videojuegos, los cuales están enfocados en la creación y el diseño de todo tipo de figuras. Al finalizar, te darás cuenta que el diseño de personajes para videojuegos es más que dominar un programa para ilustrar. 

¿Cómo crear personajes para videojuegos?

Antes de iniciar con la ilustración de videojuegos, es importante que te enfoques en el proceso creativo, es decir, en el paso a paso para definir a tus personajes.

Con respecto a ello, Felipe Lira, profesor del curso de introducción a la ilustración digital, nos recomienda buscar todo tipo de inspiración y ahondar en la temática a tratar. Por lo tanto, ten presente cuál es la historia que quieres contar y cómo tu personaje puede lograr que los espectadores puedan sentirse parte de ella. 

Recuerda que, aunque estás creando un mundo ficticio, esto no quiere decir que los personajes para videojuegos que desarrolles deben ser perfectos. De hecho, lo mejor es humanizarlos para así conectar con los usuarios a un nivel más profundo. 

A continuación, te detallamos una pequeña guía para crear un personaje de videojuego:

1. Conoce a profundidad a tu personaje

Para conocer cada aspecto de tus personajes para videojuegos, te recomendamos desarrollar el perfil psicológico de cada uno de ellos. Para ello, puedes hacerte las siguientes preguntas: 

• ¿Qué carácter tendrá mi personaje? 
• ¿Tendrá un pasado desconocido o todos podrán conocerlo a la perfección? 
• ¿Cómo reacciona ante situaciones difíciles? 
• ¿Ha atravesado experiencias traumáticas?
• ¿De dónde viene y cómo es ese lugar?

Una vez que tengas en claro quiénes serán los personajes de tu juego, la historia se irá tornando más profunda y valiosa. Por ejemplo, si creas un personaje que ha sufrido una caída, puedes establecer, durante el proceso de ilustración para videojuegos, que se evidencie una ligera cojera mientras camina. 

Por otro lado, la ropa también es un aspecto importante a considerar. La ilustración para videojuegos que se enfoca en resaltar el atuendo de los personajes femeninos o masculinos usualmente se queda grabada en la memoria de los usuarios. Por ejemplo, el overol de Mario Bross o la capucha de Assassins Creed. 

2. Imagina sus habilidades

Luego de establecer el perfil de tu personaje, el siguiente gran paso para crear personajes para videojuegos es ponerle algunas habilidades especiales que vayan de la mano con el tipo de juego que estés creando. 

Por ejemplo, si estás diseñando un juego de rol, lo típico es crear varios personajes con habilidades de agilidad, de curación, de resistencia o de daño a distancia. Como creador de personajes para videojuegos, deberás utilizar todo tu ingenio para que la historia sea lo más llamativa posible. 

3. Crea una característica especial

El tercer paso para crear personajes para videojuegos es inventar una peculiaridad que los haga especiales. Más allá de sus poderes o habilidades, puedes incluir frases que resuenen con el público, añadir rasgos físicos o diseñar vestimentas que resulten memorables. 

Un ejemplo de ello es el personaje principal de Watch Dogs, quien cuenta con una habilidad para hackear. Cuando el usuario activa esta característica del personaje, la interacción del videojuego cambia y el personaje adopta una apariencia misteriosa única. 

Para tener éxito en este punto de la ilustración para videojuegos, imagina algo que pueda quedar por siempre en la mente de los usuarios. 

4. Desarrolla un trasfondo

Crear personajes para videojuegos implica escribir su vida como si fuera la nuestra. Por lo tanto, si estás por crear un personaje ficticio para un juego, lo más recomendable es profundizar en la vida del mismo para así generar conexión con el usuario.

La principal razón para desarrollar un protagonista con motivaciones o aspiraciones que estén presentes durante el transcurso del juego, es que, de esta forma, la historia ganará relevancia y se volverá interesante para cualquier espectador. 

Por ejemplo, durante la trama de un videojuego de zombies, la aspiración de cada personaje es que todos se salven. Sin embargo, durante la historia cada uno deberá decidir entre la vida de un personaje o la de todo el grupo. En ese punto, las elecciones dependerán de cómo esté construido cada personaje y cuál sea su historia. 

¿Cuáles son los pasos para iniciar con la ilustración para videojuegos? 

En la ilustración para videojuegos se debe tener mucho cuidado al momento de incorporar los detalles y rasgos de los personajes del juego, pues estos deben representar cada una de las consideraciones que te mencionamos previamente. 

Por ejemplo, si estás creando un juego sobre una guerra, la mayor parte de los personajes estarán llenos de nostalgia y de sentimientos encontrados. Por lo tanto, la ilustración para videojuegos debe hacer énfasis en el rostro y en el cuerpo de los mismos para representar cada una de estas emociones. 

En las siguientes líneas, te detallaremos cómo ilustrar personajes para videojuegos en simples pasos.

1. Busca referencias

Para este punto, ya tienes todo el perfil del personaje y lo conoces como si fuera tu amigo o amiga más cercano. Ahora, es momento de dar inicio a la ilustración de videojuegos buscando referencias visuales en personajes que sean similares al nuestro.

De acuerdo con Igor Heras, uno de los fundadores del estudio de ilustración Monsters Pit, esta parte es fundamental para armar un personaje que llene las expectativas del público. Para ello, puedes recurrir a cualquier banco de información que tengas a la mano, desde Google o Pinterest, hasta libros, películas o videos. 

Durante el proceso de ilustración de videojuegos, analizar a los actores de películas o series, así como su vestimenta, gestos y expresiones nos ayudará a crear un personaje realista y atrapante. 

Por ejemplo, si estás interesado en crear un juego futurista, las escenas de Star Wars, Guardianes de la Galaxia o Star Trek serán una gran fuente de inspiración para las siguientes ilustraciones de tus videojuegos. 

2. Elige un aspecto

Entender cómo diseñar personajes para videojuegos se volverá más fácil si tenemos en claro cuál será el aspecto de cada uno de ellos. Para lograrlo, debemos guiarnos del perfil que creamos al principio.

En ese sentido, deberás abordar puntos clave como su edad, género, contextura y lugar de origen. Este último punto es vital para diseñar personajes para videojuegos, ya que te permite aterrizar mucho mejor la apariencia del protagonista y sus compañeros. 

3. Enfócate en un estilo visual

El estilo visual del personaje dependerá de las ilustraciones para videojuegos que vayas a crear. Para ello, te recomendamos considerar los tipos de ilustraciones que existen, entre los cuales puedes escoger un estilo cartoon, realista, etc. 

En este punto de la ilustración de videojuegos, es probable que debas diseñar varios modelos de tus personajes hasta encontrar el estilo más adecuado. Si quieres una referencia de esto, los videojuegos de Lego son un ejemplo muy claro de cómo los personajes más terroríficos se pueden convertir en inocentes personajes. 

Otro aspecto importante cuando haces ilustración para videojuegos, es que el estilo visual debe verse reflejado en la escenografía. En otras palabras, si estás diseñando un juego de terror, puedes crear ambientes fúnebres para aterrar al personaje y al usuario. 

Por otro lado, no olvides que la ilustración para videojuegos necesita estar en concordancia con lo que hagan los personajes para que el resultado final luzca realista. Por ejemplo, si el protagonista cae de un lugar alto, la superficie deberá cambiar a determinada textura para recrear el impacto como si estuviera pasando en la vida real. 

4. Construye una identidad

Para consolidarte como creador de personajes para videojuegos, es crucial que incluyas elementos que te ayuden a definir la personalidad de tu personaje, como por ejemplo la vestimenta, algunas marcas o cicatrices, postura, forma de andar, entre otros. 

Asimismo, no debes olvidar la paleta de colores que tendrá tu personaje y el videojuego en general. Por ejemplo, cuando haces ilustraciones para tus videojuegos, el ambiente y demás elementos tienen colores que van en armonía. Lo mismo tiene que ir para cada elemento que forme a tu personaje.

¿Qué es la animación?

Es la técnica que da sensación de movimiento a imágenes, dibujos, figuras, recortes, objetos, personas, imágenes computarizadas, fotografiando o utilizando minúsculos cambios de posición para que, por un fenómeno de persistencia de la visión, el ojo humano capte el proceso como un movimiento real.

Breve historia de la animación

La animación apareció antes que el propio cinematógrafo. En 1888 el francés Émile Reynaud, padre del cine de animación, inventó el praxinoscopio, uno de los muchos juguetes ópticos de la época, en el cual se utilizaba una técnica pre-cinematográfica de animación.

Posteriormente lo perfeccionó con su teatro óptico, que permitía proyectar películas animadas dotadas de argumento en una pantalla para un público y, acompañadas de música y efectos sonoros, mantuvo un espectáculo de dibujos animados desde 1892 hasta finales del siglo XIX. De su producción, en la actualidad se conserva  de 12 minutos de duración.

El siguiente pionero del cine de animación fue el francés Émile Cohl, que desde 1908 realizó los primeros cortometrajes de dibujos animados, entre los que se destaca Fantasmagorie, de un minuto y veinte segundos de duración. Otro pionero fue George Méliès, el cual utilizó en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas de animación.

Tipos de animación

Dibujos animados

Se crean dibujando los fotogramas, uno por uno (24 de ellos por cada segundo de animación), siguiendo la técnica desarrollada principalmente por los animadores de Disney a principios del siglo XX. El proceso comienza con el animador dibujando cada fotograma en papel. Después el dibujo se realiza de nuevo con tinta y se pinta en láminas de acetato.

Finalmente el dibujo se fotografía con una cámara estática. Las fotografías se colocan en secuencia para dar la ilusión de movimiento. Esta práctica, sin embargo, ha estado cayendo en descenso desde hace dos décadas, debido a la aparición de la computadora y las facilidades que ésta provee para la creación de animación de una manera más rápida y barata.

StopMotion

No se animan dibujos o imágenes planas sino objetos estáticos e inmóviles colocados delante de una cámara. Consiste en aparentar el movimiento de dichos objetos capturando fotogramas: en cada uno de estos, se ha movido ligeramente el objeto y, en cada nuevo cambio de posición, debe haber siempre orientado el objeto en una cierta dirección en relación al cambio de posición y fotograma anteriores, guardando así la mayor continuidad lógica del movimiento que se quiere imitar.

Más tarde, al reproducir los fotogramas uno detrás de otro, la proyección en pantalla crea la ilusión óptica de que el objeto se mueve por sí mismo. Se puede animar, de este modo, cualquier objeto tridimensional; pero, en general, se animan muñecos (normalmente dotados de un esqueleto metálico interno articulado, como los muñecos de dinosaurios utilizados en el documental de televisión Dinosaurios), marionetas, figuras de plastilina u otros materiales.

Pixelación

Es una variante en la técnica de stop motion en la que no se usan muñecos o marionetas sino seres humanos. Los actores son usados como sujetos fotograma a fotograma en una película animada a través de mantener una pose mientras uno o más frames son tomados y cambiando sutilmente la pose antes del siguiente frame o frames. El actor se transforma así en una marioneta humana.

Rotoscopia

La rotoscopia es una técnica de animación que recurre a una máquina llamada rotoscopio. El rotoscopio tiene una placa de vidrio sobre la que se pueden colocar láminas transparentes de acetato o papel. Debajo, un proyector ilumina el fotograma de la filmación realizada en tiempo e imagen real. De este modo se puede calcar el contorno de los objetos filmados.

Animación Cut out o por recortes

Es la técnica en que se usan figuras recortadas, ya sea de papel o incluso fotografía. Los cuerpos de los personajes se construyen con los recortes de sus partes, moviendo y reemplazándolas. Así, se obtienen diversas poses y se da vida al personaje.

Animación 3D

Dichos objetos se pueden girar y mover en un espacio tridimensional. La forma de realizarla es diferente a la animación tradicional, ya que, para ello se utiliza software que permiten modelar y esculpir de manera digital.

Con ello, los diseñadores dotan de personalidad propia a un personaje o a un objeto cuya misión es transmitir emociones o contar historias. Los fotogramas deben someterse a un proceso de renderizado una vez se finaliza el modelo.

Animación 2D

Se le llama así a la técnica de animación tradicional, en la cual se produce el efecto de movimiento a través de una sucesión de imágenes cuadro por cuadro, normalmente mediante dibujos, aunque también se pueden utilizar otros medios como fotografías.

 El diseño, no es en realidad el objeto final creado, no es la silla, no es el cartel publicitario, no es el vestido, no es el vídeo publicitario, el diseño es en realidad todo el proceso que se realizó hasta llegar a ese resultado, es la generación de la idea y la materialización de la misma.

Ahora bien, el diseño como proceso de creación requiere del desarrollo de habilidades y destrezas que permitan dar solución a un problema o  satisfacer una necesidad ya sea material o psicológica. Es aquí donde entra el rol del diseñador, quien será el principal encargado de darle forma a la función.

Debido a que la actividad principal del diseño gráfico es dar forma a una idea o mensaje, el diseñador es el encargado de desarrollar los cuerpos visuales, pero que además de ello según Frascara, requiere una capacidad igual para entender y manejar el contenido a transformar, por lo que requiere de un conocimiento profundo sobre la manera en el que ser humano percibe e interactúa con su entorno.

Entonces, tomando en cuenta lo anterior, podemos decir que el diseñador gráfico es una persona multidisciplinaria que:

• Posee conocimientos en psicología, lenguaje, comunicación y arte.
• Conoce y profundiza sobre las diferentes corrientes artísticas y teorías del diseño.
• Posee algunas habilidades artísticas como el dibujo, la pintura y la fotografía
• Maneja herramientas tecnológicas de desarrollo y reproducción digital.
• Posee habilidades para la abstracción y conceptualización.

• Función Artística

Si bien el diseñador posee habilidades artísticas, se debe diferenciar del artista plástico, debido a que el diseño gráfico no es un arte puro, tal y como nos explica Jorge Frascara “El diseñador, a diferencia del artista, no es normalmente la fuente de los mensajes que comunica, sino su interprete.”

Pero esto no quiere decir que no pueda ser un artista, ya que sí sus habilidades le permiten generar e interpretar el mensaje, puede ser entonces diseñador gráfico y artista al mismo tiempo, tal como es el caso del artista digital + diseñador gráfico, fotógrafo + diseñador gráfico, illustrador + diseñador gráfico, entre otros.

• Función Social

La función del diseñador gráfico es dar forma a los mensajes, los cuales al ser dirigidos a las personas cumplen una función social que debe ser abarcada con responsabilidad. Jorge Frascara expone 4 áreas de responsabilidades del diseñador gráfico:

• Responsabilidad Profesional: el diseñador es un profesional que tiene la responsabilidad de dar forma visual a los mensajes para que estos sean atractivos, convincentes, detectables (fácil de comprender) y no discriminativos para los clientes y el público final.
• Responsabilidad Ética: el diseñador gráfico entiende su responsabilidad con la sociedad al crear mensajes visuales que den apoyo a los valores humanos básicos o que no los corrompan.
• Responsabilidad Social: El trabajo del diseñador gráfico tiene el poder de influenciar a la sociedad por medio de la comunicación visual, por lo tanto entiende que debe generar una contribución positiva a la misma.
• Responsabilidad Cultural: El diseño puede cambiar a la sociedad, es por ello que se deben crear objetos visuales que contribuyan al desarrollo cultural de la misma.

• Función Comercial

Aunque marketing y diseño son dos profesiones separadas, ambas persiguen un mismo fin, el de vender una idea o producto, es por ello que un diseñador gráfico es una pieza importante en el desarrollo de Campañas publicitarias, ya que aportan soluciones visuales y creativas a cualquier necesidad de comunicación.

En el comercio, diferenciar y hacer resaltar un producto o servicio del resto es lo más importante, es por ello que se hace imperativo la presencia de entes multidisciplinarios y creativos como lo son los diseñadores gráficos.

El diseñador gráfico puede generar diferentes elementos con fines comerciales como identidad corporativa, logotipos, diseño publicitario, diseño de catálogos corporativos, folletos de publicidad, diseño editorial, diseño web, campañas promocionales, señalética, diseño de empaques (packaging), diseño de stands, diseño multimedia, entre muchos otros.

Una buena pieza publicitaria (impresa y/o digital) permite captar, informar y motivar al consumidor final a la compra del producto o el servicio. Si este diseño es bien ejecutado transmitirá los correctos valores de la marca haciendo crecer las ventas, además de mejorar el posicionamiento y la imagen de dicha marca.